JEREMY by Pearl Jam

Incluida como corte 6  del álbum de debut Ten de la banda de Seattle Pearl Jam, lanzado el 27 de agosto de 1991 por la discográfica Epic Records. Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy de 1993: Mejor Canción de Rock y Mejor Interpretación de Hard Rock. El álbum no obtuvo mucha notoriedad inicialmente y no fue hasta finales de 1992 que consiguió que los críticos y el público se fijaran en él, junto con la explosión grunge que provocó Nirvana. La letra es de Eddie Verder y la música de Jeff Ament, bajista de la banda. Para escribir la canción, Vedder se inspiró en una noticia que leyó en un periódico la mañana del miércoles 9 de junio y que le dejo impresionado: el suicidio de un adolescente, su nombre: Jeremy.

Jeremy Wade Delle tenía 16 años. La mañana del 8 de enero de 1991 llegó tarde a su clase de literatura, en el Instituto Richardson, en Texas (EEUU). Su maestra, ante las constantes faltas y retrasos le ordenó pedir un permiso al director del centro para poder entrar tarde al aula. Jeremy salió y volvió minutos después y le dijo a la profesora: Encontré lo que realmente estaba buscando. Sacó un arma de su bolsillo, se la metió en la boca y se voló la cabeza antes de que la maestra o sus compañeros pudieran reaccionar. 
Jeremy era un chico, según otros adolescentes, solitario y tímido, pero no parecía capaz de actuar como lo hizo. Se había mudado de Dallas y vivía con su padre, con quien asistió varias veces al gabinete psicológico del colegio por sus constantes ausencias de clase. Una compañera solía recibir notas de su parte:

Era normal, hablaba de su vida y esas cosas, pero siempre firmaba las notas con un "escribe de vuelta" y el lunes, un dia antes de lo sucedido, escribió "ya es tarde"

Al parecer la única nota que Jeremy dejó antes de su suicidio se la envió a una amiga y se cree que decia:

Lo siento, Nancy, cuando leas esto, ya me habré volado la cabeza. No es tu culpa, es Michelle junto con otros 137.5 problemas. Sólo te escribí para ver si querías ir a mi funeral. Llama a mi casa y pregunta por mi padre. Por lo menos no tuviste que escuchar el boom. Con amor, Jeremy Wade Delle.

Se dice que el joven dejó otras notas suicidas en las que explicaba sus motivos, pero esa información nunca ha sido confirmada.

El día de la muerte de Jeremy, aproximadamente a las 09:45, la Instituto Richardson siguió con su programa normal de clases. Los cerca de 30 compañeros que presenciaron el suicidio fueron conducidos al salón de actos para recibir una charla sobre manejo de situaciones críticas y como medida excepcional a algunos, quizá los más afectados, se les dio permiso para salir más temprano, pero la realidad fue, que la escuela retomó sus actividades de inmediato. La fría reacción de la institución educativa fue una de las cosas que más impactó a Eddie Vedder, quien en una entrevista posterior comentó:

Lo que esta canción significa es que cuando te matas, solo recibes un pequeño espacio en un periódico. El mundo sigue, y tu ya te has ido, nada cambia. Asi que la mejor revancha es vivir y ser más fuerte que la gente que te desprecia.

Además de hablar sobre Jeremy, la canción, según otra entrevista que dio Vedder, habla de todos los chicos que tienen problemas y nadie les da la ayuda necesaria:

Conocí a alguien cuando iba a la escuela en San Diego, California, que hizo lo mismo que Jeremy, sólo que él no se voló la cabeza, sino que disparó en una sala llena de acuarios. Recuerdo haber estado en los pasillos y escuchar las detonaciones. Yo había tenido problemas con él porque yo era un tipo rebelde de quinto grado y peleamos algunas veces. Así que la canción es sobre Jeremy, pero también un poco sobre Brian, a quien conocí, pero no conozco. La canción dice mucho. La gente la interpretó de distintas formas, pero espero que nadie se ofenda y me crean..., cada vez que la canto, pienso en Jeremy.

Al fuerte contenido de la canción se le unió la grave controversia que causó su videoclip. Cuatro premios en los MTV Video Music Awards en 1993 y un enorme éxito en la televisión comenzaron a causar dudas en los miembros de la banda: No queremos grabar un videoclip, queremos tocar en directo declaró Eddie Vedder en un entrevista televisiva cuando se le preguntó al respecto del tema Jeremy. Y, a todo lo sucedido, se añadió algo inesperado: la censura no tardó en llegar, la MTV cortó dos escenas. Una en la que los compañeros lanzaban un saludo nazi a Jeremy, y otra en la que explícitamente se podía ver como éste introducía una pistola en su boca y se pegaba un tiro manchando al resto de sangre. Como era lógico, con estas escenas censuradas, el vídeo perdía todo el significado, pues daba a entender que el protagonista no se disparaba a sí mismo, sino al resto de la clase. No queremos que la gente recuerde nuestras canciones como nuestros vídeos, declaró el bajista Jeff Ament. Así que el grupo tomó la decisión de no grabar ninguno más (de hecho no lo hicieron hasta 1998, con Do the evolution y realizado por animación.

Os dejo dos versiones del tema, el vídeo clip oficial y la grabación que hicieron para la serie de Unpluggeds de la MTV en 1992. Que las disfrutéis.

Video Clip Oficial Jeremy

MTV Unplugged 1992

NANA CRUEL por Robe Iniesta

Incluida como corte 3 del primer álbum en solitario, que ni mucho menos debut, del cantautor extremeño Roberto Iniesta, líder y alma de Extremoduro y publicado en Junio de 2015 por El Dromedario Records. 

Contraportada Lo que aletea en nuestras cabezas

Tras mas de 20 años trabajando como Extremoduro, Robe decide romper, aunque sea temporalmente con la banda que lo encumbró y reunirse junto con amigos en su Plasencia natal para grabar un puñado de canciones que rondaban su cabeza y a las que sentía que debía darles un sentido distinto al que hubiese llegado de hacerlo junto con su banda de siempre. Robe, siempre tan enigmático, ha llegado a afirmar que no tenía muy claro cual era el resultado final que estaba buscando pero una vez escuchado el disco con atención queda claro que es un disco muy trabajado y de hecho si tuviese que hacerle alguna crítica, yo diría, en mi modesta opinión, que incluso ligeramente sobreproducido. En sus propias palabras, necesitaba sorprenderse para seguir teniendo ganas de hacer cosas nuevas y junto con sus compañeros de Extremoduro eso se hacía más difícil. Preguntado mil veces por si esto es un punto y final a Extremoduro siempre ha afirmado lo mismo; que este disco no cierra la puerta para nada a un nuevo LP del mítico grupo; que son dos proyectos paralelos pero en ningún caso excluyentes.

Pero centrémonos en el corte del disco que nos ocupa, Nana Cruel. Si, una nana, pero una nana cruel. El título del tema ya nos recuerda claramente ante quien estamos, no sea que que se nos haya podido olvidar. Robe siempre ha tenido una magia especial para mezclar conceptos y la mezcla de una nana o canción de cuna con una palabra tan inhóspita como cruel es muy potente y atrayente.

El tema arranca con unos versos bellos, cálidos, suaves, cómodos, redondos y la imagen de cualquiera de nosotros acunando a nuestros hijos rápidamente se adueña de nuestros cerebros:

Duérmete,

que ya estás a salvo de todo,

el Sol se ha ido entusiasmado,

le ha salido bien

este atardecer.

La voz de Robe es suave, o todo lo suave que puede ser esa particular voz, con ciertos tintes de Albert Plà. Los instrumentos de cuerda nos mecen y junto con unos suaves acordes de guitarra nos va llevando despacio y suave hacia un sueño que a priori parece que va a ser dulce pero ya hemos leído el título del tema y ya conocemos a Robe... En la segunda estrofa llega el hachazo e incluso se nota en la voz, aunque solo en las palabra nana. 

Duérmete,

que te voy a cantar

una nana tan cruel

como la realidad:

Érase una vez

una humanidad.

Desolador...

El tema se descubre y llega el Robe de siempre. Desgarrador, cruel, rabioso y como siempre con unas dosis de realidad que parece que te está hablando a ti de ti. La letra transmite una familiaridad que llega a doler, que nos ataca despiadada, que nos señala, que nos hunde en el aire y nos ahoga poco a poco. El texto no deja de ser simple y las ideas que expresa manidas y ya muy oídas pero cómo llegan... Ahí radica su secreto, coger lo familiar y lanzártelo cómo un dardo envenenado del que no puedes escapar porque ya lo tenías clavado de antemano en el corazón. Imposible huir.

Robe

El tema tiene tintes de lucha por sobrevivir, muy típico de Robe y de sus letras, ...a la vida hay que buscarle otra razón... Pero ojo, sin ningún tipo de épica, aquí no hay héroes, no caben, esto es la vida, una lucha constante, despiadada y que no da respiro, pero en la que, a veces, no queda mas remedio que aceptar las derrotas para así poder seguir avanzando y no caer atrapado en una lucha eterna. Es una canción con grandes dosis de resignación, de comprensión, escrita por un hombre de 50 años no por un chaval de 20 y eso se nota, se transmite, se palpa. La evolución del artista ha sido clara y es imposible que Robe vuelva a escribir textos como los de Jesucristo García a estas alturas o que aquel Robe de los años 90 escribiera textos y melodías como las actuales. Y eso no solo hay que aceptarlo, si no que hay que aplaudirlo. La voz esta sumamente controlada, sin excesos; hacia ningún lado, ni excesivamente rabiosa ni demasiado dulce. En su sitio, como pegada a la realidad.

Volviendo al tema, musicalmente es muy rico: vientos, cuerdas, percusión, giros instrumentales y detalles, infinidad de detalles, de hecho como ya he dicho anteriormente ligeramente sobreproducido. Quizá más desnudo hubiese ganado mas fuerza, aunque puede que hubiese sido demasiado despiadado también. El maestro es él, así que escuchémoslo tal y como el ha querido que suene.

Al final, tras los versos finales en los que ...solo hay monstruos, solo hay gente, que te compra y que te vende, que te odia y que te miente, que te roba, que te mata, que te viola y que no siente nada... cierra el tema con la promesa de volver porque a pesar de todo, la vida sigue y hay que seguir viviéndola:

Duérmete, que ya se ha ido el Sol.

Que tenía que hacer, dijo, y se marchó,

y prometió volver al amanecer.

Nana Cruel por Robe Iniesta

Os dejo la letra completa porque vale la pena como siempre con Robe.

Disfrutad de la desolación que también se puede.

Duérmete,
que ya estás a salvo de todo,
el Sol se ha ido entusiasmado,
le ha salido bien
este atardecer.

Duérmete,
que te voy a cantar
una nana tan cruel
como la realidad:
Érase una vez
una humanidad.

Yo que, yo que pensaba...
Yo que creía firmemente en el amor,
hoy ya sé que no, que ya no importa
y que a la vida hay que buscarle otra razón;
y busco en los colores del atardecer
y no la encuentro.

Yo que pasaba las noches en negociación...
Yo, que te espero.
Yo, que hice cada segundo otro mundo mejor...
Yo, que te espero.
Yo, que velaba las noches enteras...

Yo que, yo que querría poder contarte
que ahí afuera está la vida y solo hay gente
que quisiera comprenderte
y abrazarte y alegrarte
y ayudarte siempre.

Yo, que estudié al ser humano, te digo
que no, que ya nada espero.
Yo, que intenté comprender sus motivos...
Que no, que ya nada espero.
Yo, que quisiera encontrarme contigo...

Yo que, yo que pensaba...
Yo que creía firmemente en el amor... No,
hoy ya sé que no, que ya no importa
y que a la vida hay que buscarle otra razón;
y busco en los colores del atardecer
y no la encuentro.

Duerme, que ahí afuera
solo hay monstruos, solo hay gente
que te compra y que te vende,
que te odia y que te miente,
que roba, que te mata,
que te viola y que no siente nada.

Duérmete, que ya se ha ido el Sol.
Que tenía que hacer, dijo, y se marchó,
y prometió volver al amanecer.

HOUND DOG by Elvis Presley

La historia dice que en agosto de 1952 el cantante y director de orquesta Johnny Otis llama a los compositores Jerry Leiber y Mike Stoller y les pide componer una canción para la cantante de blues Willie Mae (Big Mama) Thornton. Mientras Otis se reúne con Big Mama en su casa, Leiber y Stoller comienzan a trabajar en el pedido y en ocho minutos crean ese famoso "Perro Sabueso".
Hound Dog fue grabada por primera vez en un estilo de blues por Big Mama Thorton en 1953. Su versión fue número 1 en las listas americanas de Rhythm & Blues americanas y fue de largo su mayor éxito. Ha aparecido en infinidad de películas como American Graffiti, Grease o Forrest Gump. 

Big Mama Thornton

La versión que cantó Presley, esta basada en la que lanzaron los tejanos Freddie Bell and the Bellboys. En la primavera de 1966, un joven Elvis Presley tocaba en Las Vegas y asistió a un espectáculo de los musicos tejanos en el hotel Sahara y les vio realizar su particular versión, menos blusera y mas rockera que la original y decidió que quería grabarla el mismo.

Hay un suceso entre trágico y curioso en relación a Hound dog. Mike Stoller cuando se casó en 1956, se fue a Europa de luna de miel. Su regreso a Nueva York lo hizo en el transatlántico Andrea Doria, nave que el 25 de julio fue chocó con un barco sueco provocando su hundimiento. 46 pasajeros murieron en el choque y 1.660 pasajeros fueron rescatados, entre ellos Stoller y su esposa. Cuando Mike llegó al muelle de Nueva York, Jerry Leiber lo estaba esperando y según contó más tarde Stoller en una entrevista, lo primero que hizo su socio fue abrazarlo y antes de preguntarle sobre el accidente o su estado físico le gritó: “Tenemos un gran éxito con Hound Dog a lo que un tanto perplejo Stoller pregunta: ¿Qué hizo Big Mama? Nada, respondió Leiber, sólo que el tema lo grabó un muchacho blanco recién llegado llamado Elvis Presley... el resto ya es historia.
Hound Dog se lanzó como single junto con Don´t Be Cruel y se convirtió en el único single en alcanzar el numero 1 en las listas con las dos caras en los Estados Unidos. De hecho, el tema fue número 1 durante once semanas, record que perduró hasta 1992 y fue superado por End of the Road de Boyz II Men.

A finales de 1952, Presley se presentó para su segunda aparición en el show televisivo de Milton Berle en junio de 1956 cuando todavía solo era una estrella  en crecimiento. Durante los ensayos, Berle le animó a interpretar la canción Hound Dog sin su guitarra para que de esa manera la audiencia pudiera tener una mejor visión de él. Elvis decidió aceptar y comenzó Hound Dog a tempo, pero después de la tercera estrofa lo ralentizó y ocurrió el estallido. Los niños y la multitud se volvieron locas, pero también lo hizo la prensa en los días que siguieron. Un crítico comparó su actuación con un espectáculo pornográfico y se le comparó con las bailarinas de cabaret en el sentido mas peyorativo del mismo. Ed Sullivan, el gurú de la televisión,  dijo que era simplemente no apto para la visión de la familia. Pero el fenómeno Elvis ya era imparable. De hecho la controversia sólo hizo a Elvis más atractivo en comparación  con el resto de productos básicos de la televisión e hizo que tudo el mundo quisiera tenerlo en su show. 

Steve Allen le contrató para su show de la semana siguiente y le pidió que interpretara Hound Dog, pero bajo ciertas condiciones que Elvis o mejor dicho su representante aceptaron erróneamente. Ante una audiencia de televisión en vivo, Allen comenzó reconociendo la controversia en torno a la última actuación de Presley para después presentar a un Elvis embutido en un esmoquin formal. Después de saludar con la mano un rollo de toallas de papel firmado por 18.000 aficionados, Allen volvió al escenario con Presley y un perro de caza con un sombrero de copa invitando a este a que le cantará su archiconocido tema. Puede parecer un buen numero cómico para pasar el rato y Allen siempre afirmó que así fue pensado, pero la realidad era evidente. Allen era un músico, un pianista y compositor que escribió baladas de salón para cantantes como Steve Lawrence, Eydie Gormé, y Perry Como. Siempre hacia bromas y mofas sobre el rock and roll en su programa, y lo solía llamar basura y analfabetos a los que lo escuchaban. Incluso jugó con el racismo al denominarlo sonidos tribales en alusión a su origen en la música negra. 

Elvis Preslty 1952

Está bastante claro que Allen quería a burlarse del niño del Sur y de su música. Y aunque gran parte de la audiencia no vio el espíritu hostil en la broma de Allen, Elvis y su banda si lo sintieron. El guitarrista Scotty Moore fue el primero en quejarse de que toda la farsa era un insulto; Elvis más tarde etiquetó esa actuación como el momento más ridículo de su carrera y arremetió contra los críticos que se cebaron y mofaron de él tras la actuación. 

No me importa lo que digan. No es desagradable.  E incluso si lo fuera, esa gente en Nueva York no se me va a cambiar nada, voy a mostrar cuál es el verdadero Elvis esta noche 

Es por eso, que la revista Rolling Stone etiquetó Hound Dog como una declaración de independencia de una generación a sus ancianos rígidos y fríos. Hay un poco de verdad en esto. Después de la emisión del show de Steve Allen, Elvis decidió no volver a dejarse manipular nunca mas por la televisión y la industria, pero la independencia que logró estaba lejos de ser completa. En cuestión de semanas, aparecía en el Ed Sullivan Show, el show televisivo donde todo artista que quisiese ser alguien debía triunfar y sin lugar a dudas el más seguido por el país. Presley lo sabía y por eso aceptó la invitación. Pero Sullivan también sabía que necesitaba a Presley y por eso lo invitó y jugó sus bazas de una manera muy distinta a Allen; reconoció, mejor que Allen, el futuro de la música americana. Y así, a sabiendas de que se necesitaban el uno al otro, Presley y Sullivan, en silencio, llegaron a un acuerdo. Presley podía realizar lo que quisiera; Sullivan sólo le filmaría de cintura para arriba. 

En otras palabras, el incidente con Steve Allen, más que a una guerra civil, derivó en una forzada y pactada reconciliación. Elvis y Sullivan, rock and roll y la industria del entretenimiento. 

PD: Ya lo tienes Noe

Elvis Presley performs Hound Dog in Milton Berle Show

Elvis Presley performs Hound Dog in Steve Allen Show

                                                              Elvis Presley performs Hound Dog in Ed Sullivan Show

SO LONG, MARIANNE by Leonard Cohen

Incluida como corte 1 de la cara B del álbum de debut del cantautor canadiense Songs of Leonard Cohen en 1967, la canción habla de la relación que mantuvo con Marianne Ihlen a quien conoció en la paradisíaca isla griega de Hydra en 1960.

Conocerás a un hombre que habla con lengua de oro, le vaticinó su abuela a Marianne como una profecía. Todo comenzó cuando en 1960, el por entonces todavía desconocido cantautor canadiense desembarcó en la isla griega de Hydra con su guitarra, su ya famosa gabardina azul y su eterna Olivetti verde, ávido de experiencias, historias y sensaciones con los que alimentar sus poemas y canciones. Marianne y esa Olivetti fueron inmortalizadas en la contraportada del álbum de 1969 Songs From A Room.

Contraportada álbum Songs from A Room

Su primer encuentro fue en la terraza de una tienda de comestibles en el muelle y ahí el cantautor la invitó por primera vez a su mesa. Ella había llegado hacia tres años a la isla junto con su  marido Alex Jensen, pero la relación se truncó y éste acabo fugándose con otra mujer por lo que podemos decir que ella era una mujer libre. Ella convivía con su hijo Alex y juntos iniciaron una relación que duró aproximadamente siete años aunque de forma intermitente. Cohen afirmó que instalado en la casa de Marianne consiguió una paz insólita para el hasta el momento. Escuchaba mucho a Ray Charles y solía escribir en la terraza de la casa a primera hora de la mañana. Eran un pareja muy alejada del hippismo de la época. Eran ordenados, metódicos, rutinarios, ...los dos éramos anticuados, en cuanto a que teníamos un sentido muy asceta y ordenado de la vida... La relación tuvo numerosos altibajos debido en gran parte a la necesidad del Cohen de salir en busca de afiliaciones neuróticas en palabras de la propia Marianne.

En la isla de Hydra, Cohen finalmente vivió su verdadera transición hacia la música. Cohen tenía 33 años cuando decidió dedicarse a la música. En algunas declaraciones de Marianne, desde hacía años le venía confesando que quería convertirse en cantautor. En declaraciones del propio artista, se había dado cuenta que no podía procurar su sustento con su trabajo como autor, y mantener su estilo de vida. Escribir sus volúmenes de poesía y, por otro lado, sus novelas, lo dejaban agotado creativamente. Después de escribir Beatiful Losers, su segunda novela, tuvo que ser hospitalizado después de algunos abusos de speed y hachís, y unos 10 días de ayuno. Escribir canciones era más ligero, no perdía su poesía, y podía, simplemente, tener dinero de forma más rápida. La cultura hippy convirtió a la música en un gran medio transmisor de la cultura que al final acabó atrapando al canadiense. Decidieron mudarse a la multicultural New York y concrétamente al mítico Chelsea Hotel. 

Cohen & Alex Jensen hijo

El nombre original de la canción era Come on Marianne. Cuando comenzó a escribir el tema, la relación ya estaba muy deteriorada y de hecho el texto tiene unos claros tintes amargos. La joven la interpretó como un venga! intentémoslo otra vez! Pero un año más tarde, en el estudio de grabación, el músico dudaba sobre las dos palabras que variaban el significado de la canción-—optó por so long, hasta pronto, en inglés—. Yo no pensaba que estuviera diciendo adiós, pero supongo que era así, afirmó mas adelante, por lo que mas que de una canción de amor podemos decir que se trata de un tema de despedida, melancólico y triste. Marianne siempre ha afirmado que aunque la canción llevara su nombre, no era con la que mas se identificaba o mas cercana se sintiera. Siempre prefirió Bird on a wire, ...Recuerdo aquella mañana cuando al abrir la ventana nos encontramos que habían puesto el cableado del teléfono...

Podría considerarse que aunque hubo muchas e importantes mujeres en la vida de Leonard Cohen como la inmortal Suzanne Verdal que dio nombre a quizás su mayor éxito (Suzanne), Cohen encontró a Marianne en un momento crucial de su carrera y fue su sostén y quien le dio el coraje necesario para no abandonar en un momento muy delicado del artista ...Creo que le di coraje para escribir y no tirar la toalla...

Quizá para algunas personas sea un poco difícil la música de Cohen cuando no se está familiarizado a escucharlo, pero en cuanto pasa el tiempo empieza a cobrar sentido. Su estilo peculiar, voz ronca o aguda, aunado a su sentir melancólico en sus temas, termina por atraernos tarde o temprano. 

So Long Marianne, Studio Version

POLLY by Nirvana

Incluida como sexto corte del álbum Nevermind en 1991, segundo de estudio de la banda de Seattle y que supuso el salto a la fama del grupo y la aparición de lo que más tarde se denominó como sonido grunge o sonido de Seattle, y del que se nutrieron grupos y bandas como Pearl Jam, Soundgarden y Smashing Pumpkins entre otros.

El tema está basado en un hecho real que ocurrió en la ciudad de Tacoma, Washington en 1987, donde una chica de 14 años que regresaba de un concierto punk fue secuestrada por un hombre llamado Gerald Friend. El agresor, la llevó a su caravana y, además de abusar de ella, la torturó con un soplete, un látigo y una navaja de afeitar. Por fortuna la chica, de la cual nunca de publico el nombre, logró escapar cuando el hombre de 49 años de edad se detuvo en una gasolinera a repostar. Un día más tarde, fue detenido por una falta de tránsito, reconocido y condenado a 75 años de cárcel. 

En propias palabras de Kurt Cobain:

Kurt Cobain

Polly es una canción de amor muy personal acerca de una violación. Le sucedió a una de mis amigas : fue secuestrada y violada por un individuo durante días. Le debía esa canción. Tardé bastante, tenía que eliminar el trauma. La música existía antes que el texto y era tan melódica y accesible que pensé que necesitaba una letra amarga para atenuar su belleza. Enseguida se nos acusó de promover la violación, cuando es todo lo contrario. Más o menos como sucedió con Steve Albini, que fue atacado a propósito del nombre de su grupo, "Rapeman" (Violador). Nunca hizo una apología de la violación. Lo escogió por su connotación chocante. Enseguida pensé que era una palabra dominante, que te hacía reflexionar sobre la violación.

En la escalofriante letra de la canción, en la que se refiere a una soga y al soplete, Cobain canta como si él fuese el violador, lo que desató una ola de críticas sobre su persona, además de que uno de los miembros del jurado que sentenció a Gerald Friend afirmó que hay cuestiones alteradas en la concepción que tenía el músico con respecto a los hechos.

Para colmo, años después, dos sujetos violaron a una joven mientras sonaba Polly de fondo, lo que provocó indignación y pesadumbre en Kurt, quien tuvo que redactar una breve nota al final del disco de rarezas Incesticide, editado en 1992: El año pasado, una niña fue violada por dos desperdicios de esperma y huevos mientras cantaban nuestro tema Polly. Me cuesta creer que hay placton en nuestros fans.

La versión que aparece en el álbum fue grabada en Madison, Wisconsin en el estudio del productor , Butch Vig en Abril de 1990. Digamos que la versión final fue rescatada de una cinta de demos. Se intentó realizar la grabación de nuevo con la banda en los Sound City Studios en California en Abril de 1991 junto con el resto de temas que componen Nevermind pero no se consiguió un sonido satisfactorio. Polly fue compuesto junto con el resto de temas que formaron Bleach el primer trabajo de la banda pero Cobain la descartó aludiendo a que era demasiado hermosa para incluirla en ese trabajo. Eso hace que la batería que se oye en el tema no este tocada por Dave Grohl, sino por Chad Channing, batería de la banda entre 1988 y 1990, aunque este no lo supo hasta diez años después. 

En contra del rechazo que tuvo el tema en un primer momento al estar grabado digamos desde el punto de vista del violador y poder parecer ponerse de su lado, Bob Dylan afirmó sentirse conmovido y declaró a numerosos medios una vez que escucho el tema, ese chico tiene corazón.

Hay un momento en el tema en que Cobain canta Polly says... antes de parar y comenzar de nuevo el verso. Si, fue un error en el estudio que tanto a la banda como al equipo de técnicos del momento les gusto por lo que decidieron dejarlo en el álbum e incluso Kurt lo incluyó a partir de entonces en sus tomas en directo.

Para la grabación, se utilizó la misma guitarra de cinco cuerdas desafinada que Cobain utilizó para Something In The Way con lo que se consiguió ese sonido tan característico del tema, áspero y lúgubre.

Os de dejo la versión del álbum y la cover versión de Amanda Palmer que creo que merece la pena y de la que Kurt Cobain estaría orgulloso. Captó el mensaje de Cobain, de otra manera, pero capto el mensaje sin duda.

Nirvana, Polly Studio Version

Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra - "Polly"