EL WALTZ DE LOS LOCOS por Nacho Cano

Incluida como corte 3 del álbum instrumental Un Mundo Separado Por El Mismo Dios compuesto entre octubre de 1992 y Mayo de 1994 y grabado entre Londres, Madrid y Nueva York durante el verano de 1994. Forma parte del primer trabajo en solitario del músico madrileño. Las influencias de músicos como Mike Oldfield son claramente visibles. El disco constituyó una apuesta arriesgada del autor y se vio claramente influenciada por la religión budista que predicaba así como sus vivencias en la India y contactos con personalidades como La Madre Teresa de Calcuta.

Para el tema en cuestión, El Watlz De Los Locos, así como para la mayoría de cortes del disco se utilizaron numerosas grabaciones de sonidos reales entremezcladas con instrumentos habituales como cuerdas, pianos... Las voces se integraron también siempre como un instrumento más, sin querer nunca ganar protagonismo como solistas.

Portada Un Mundo Separado Por
el Mismo Dios 1994

Los sonidos presentes en la grabación del El Watlz De Los Locos fueron registrados en El Centro Don Orione, una institución sin ánimo de lucro perteneciente a la Congregación religiosa fundada por San Luis Orione localizada en un pequeño pueblo del oriente asturiano denominado Posada de Llanes y que da cobijo y atención en la actualidad a alrededor de 170 personas con discapacidad intelectual con el fin de que estos puedan integrarse lo mejor posible en la sociedad y lograr una buena calidad e vida.

Según palabras del propio Nacho, éste tenía una relación con este centro de deficientes desde hacía algunos años ya que solía visitarlo en Navidad. La primera vez que acudió sintió, también según sus propias palabras, un fuerte impacto, afirmando incluso que llegó a sentir miedo al tratarse de una situación que definió como caótica. Tuvo una cierta sensación que llego a calificar de repulsión. 

Los olores, los sonidos, el ambiente como que me echó para atrás. No sabes muy bien como van a responder esta gente. Pero a medida que tu estas ahí te das cuenta de que hay una especie de armonía. Cada uno tiene un papel que interpreta cada día y luego hay una relación muy bonita entre la gente que los cuida y ellos y ves una serie de cosas muy sutiles. 

El autor intentó plasmar todo ese tierno y sutil caos en un vals. Busco construir una especie de analogía entre los niños que son deficientes y los instrumentos que están un poco desafinados. Declaró que entrar dentro de ese mundo paralelo era como romper las ataduras que normalmente nosotros tenemos, las formas... 

Portada Alternativa Un Mundo
Separado Por el Mismo Dios

El cariño se expresa continuamente. Los niños quieren que se les abrace y ellos siempre te devuelven un abrazo... Uno se olvida de lo que es un hombre, de lo que representa o de lo que el cree que representa y se convierte en un trozo mas de ser humano que forma parte de los otros trozos.

Para el tema se registraron numerosos sonidos en el propio centro, registrando ambientes, voces, pasos, sonidos... intentando captar la esencia del ambiente del lugar. Una vez registrados los diferentes sonidos se mezclaron con bases de piano, cuerda... notas y progresiones muy básicas y sobretodos ellos se fue construyendo el tema en palabras del propio Nacho. La orquesta suena de una manera muy especial, los violines da la sensación de que "patinan", como si no quisieran dar la nota exacta en el momento adecuado, como si todo fuera llorando, arrastrándose, con dificultad. Con todo ello se consigue reflejar una gran ternura. Quizá la palabra que defina el tema sea esa, ternura.

El autor en una entrevista comentó que el mismo día que acudió al centro para registrar los sonidos, después acudió a la academia de baile donde se grabaría el videoclip para su tema El Profesor De Baile y que estuvo con un grupo de bailarines de la compañía. 

Los bailarines, todo lo que hacen es bonito, cogen una vaso y es bonito, dicen una cosa y es bonito... Era muy curioso ver los dos mundos así como contrastados, y ver, que hay belleza en los dos, que lo que pasa es que tenemos que tener la óptica correcta...

Nadie sobra en esta orquesta... 

Una lástima que Nacho volviera a las composiciones digamos más "Mecano" y abandonara está linea instrumental ya que el disco completo es una pequeña joya, de no fácil escucha, pero joya si se le dedica el tiempo adecuado. 

A modo de anecdota, el video de presentación del tema fue dirigido por Penelope Cruz, por entonces pareja sentimental del compositor.

                                                                         Video Promocional de El Waltz De Los Locos

BOOTS OF SPANISH LEATHER by Bob Dylan

Corte 7 del tercer álbum de estudio del cantautor de Minnesota The Times They Are A-Changin´ publicado el 13 de Enero de 1964 por Columbia Records. El álbum fue producido por Tom Wilson y es el primer trabajo de Bob Dylan que solo incluye temas propios.

La melodía de Boots of Spanish Leather esta inspirada en la canción folklorica inglesa Scarborough Fair al igual que otra composición del cantante estadounidense Girl From The North Country. El tema versa en la ruptura del cantautor con Suze Rotolo, la chica de la portada del mítico álbum The Freewheelin´Bob Dylan.

Rotolo & Dylan

Suze Rotolo fue la musa de Dylan a principios de los sesenta, con el que mantuvo una relación amorosa. Ambos se conocieron en 1961 durante un concierto cuando ella tenía 17 años y él 20. Se convirtió en inspiración para el músico de Minnesota que compuso temas como Boots Of Spanish Leather, Tomorrow Is A Long Time y Don't Think Twice, It's All Right con Rotolo en la cabeza. 
En la grandiosa Don't Think Twice, It's All Right, Dylan canta: ...Le di mi corazón, pero quería mi alma... 
La marcha de la joven a Italia durante medio año marcó el tono agridulce de las composiciones en el artista. También de forma accidental influyó en la hipnótica Girl From The North Country, que luego regrabaría con Johnny Cash en el album Nashville Skyline. 
Por aquella época, las referencias a Rotolo estaban siempre en la música de Dylan, aunque la más explícita se encuentra en el primer volumen de su libro de memorias, Chronicles, donde el músico escribió: Desde el primer momento en que la vi no pude quitarle los ojos de encima, ella era la cosa más erótica que jamás había visto. Era muy hermosa, con la piel y el cabello dorados y de sangre italiana. Empezamos a hablar y mi cabeza comenzó a girar. 
A decir verdad, Rotolo fue más que un enamoramiento físico de Dylan. Su influencia también se dejó notar en las ideas que transmitió al cantante, por entonces una esponjaba que asimilaba todo lo que sucedía a su alrededor. Hija de padres con ideas afines al comunismo, Rotolo radiaba conciencia de clase en los convulsos EEUU de principios de los sesenta. La temática pacifista y contestataria de Dylan en aquella época le debe bastante a ella, lectora compulsiva de ensayos y miembro activo de organizaciones a favor de la lucha por los derechos civiles. 

Dylan & Rotolo

El músico escribió esta canción en Roma cuando se fue a buscar a la joven a Italia, que ya había regresado a Nueva York sin que el mismo lo supiera. Estamos ante una clásica historia dylaninana de dos amantes, una encrucijada y el mar abierto. El tema está escrito como un dialogo, con los primeros seis versos alternándose entre el hombre y la mujer. En ellos la chica pregunta si podría enviarle algo ...is there something I can send you from across the sea... e insiste una y otra vez ...Oh, but I just thought you might want something fine... como buscando sentirse mejor al ser ella la que ha decidido marchar, como buscando redimirse. Él, sin embargo le contesta insistentemente que lo único que podría calmar su pena sería que ella regresase ...there's nothin' I wish to be ownin'. Just carry yourself back to me unspoiled, from across that lonesome ocean... 
A partir del séptimo verso, la chica desaparece, el dialogo se transforma en monologo. Se produce un cambio en el contexto y no es sólo que la chica ya no está, sino también un cambio en la actitud de él. Ya no hay esperanza de que su amante vuelva, ahora solo hay soledad. 

Bob Dylan

Hay una evolución clara en los sentimientos del chico, pasamos del amor de los primeros versos ...Oh, but if I had the stars from the darkest night, And the diamonds from the deepest ocean, I'd forsake them all for your sweet kiss... donde parece que éste será capaz de resistir cualquier tiempo y distancia, a la tristeza intermedia ...Oh, how can, how can you ask me again, It only brings me sorrow..., donde, poco a poco, el protagonista va perdiendo fuerza, para llegar a la decepción ...I'm sure your heart is not with me... y acabar incluso en la ira ...take heed of the western wind, Take heed of the stormy weather... (el cambio en el tono en la grabación es evidente, no es una advertencia lanzada con cariño) y acabar sucumbiendo y cerrando la canción aceptando el regalo, resignandose ...there's something you can send back to me, Spanish boots of Spanish leather... volviendo a la idea del principio del tema y cerrando el circulo.

La voz de Dylan sueña quizá más ronca de lo habitual, con una ligera reverberación dándole a la composición un aire sombrío y melancólico. Como acompañamiento, únicamente un punteo de guitarra con aires de folk sureños, como salido de los campos de algodón del Mississippi, potenciando con esa austeridad la tristeza del tema. 

Composición tremendamente personal del genial poeta estadounidense donde abrió su corazón para dejarnos una de las canciones de amor más sinceras y crudas de la historia del folk, ¿quien no se ha sentido como el protagonista de la historia alguna vez? Diez años más tarde volvería a usar esa misma manera de expresarse en una grabación y volvería a ser una mujer, Sara Lownds, la culpable de ello. Sería en el álbum Blood In The Tracks , donde destriparía a base de canciones el fin de su propia familia.

Oh, I´m sailing away my own true love

"Zarpo de viaje, mi verdadero amor,

I’m sailin’ away in the morning

zarpo de viaje por la mañana.

Is there something I can send you from across the sea

¿Hay algo que pueda mandarte, a través del océano,

From the place that I’ll be landing?

desde el país en el que desembarque?"

No, there’s nothin’ you can send me, my own true love

No, no hay nada que puedas mandarme, amor mío,

There’s nothin’ I wish to be ownin’

no hay nada que desee poseer.

Just carry yourself back to me unspoiled

Solo quiero que regreses a mí, intacta,

From across that lonesome ocean

desde el otro lado de aquel solitario océano.

"Oh, but I just thought you might want something fine

"Oh, pero yo pensé que podrías querer algo bonito,

Made of silver or of golden

hecho de oro o de plata,

Either from the mountains of Madrid

proveniente de las montañas de Madrid

Or from the coast of Barcelona"

o de las costas de Barcelona".

"Oh, but if I had the stars from the darkest night

"Pero si poseyera las estrellas de la noche más oscura

And the diamonds from the deepest ocean

y los diamantes del más profundo océano,

I’d forsake them all for your sweet kiss

renunciaría a todo eso por un dulce beso tuyo,

For that’s all I’m wishin’ to be ownin’

porque eso es todo lo que deseo poseer".

"That I might be gone a long time

"Pero quizá me ausente por un largo tiempo

And it’s only that I’m askin’

y solo por eso te lo pregunto:

Is there something I can send you to remember me by

¿hay algo que pueda mandarte para que me recuerdes,

To make your time more easy passin’"

para hacer que el tiempo se te pase rápido?"

"Oh, how can, how can you ask me again

"Oh, ¿cómo puedes?, ¿cómo puedes preguntarlo de nuevo?

It only brings me sorrow

eso solo me causa tristeza.

The same thing I want from you today

Lo mismo que quiero hoy de ti

I would want again tomorrow"

lo seguiré queriendo mañana".

I got a letter on a lonesome day

Recibí una carta un solitario día,

It was from her ship a-sailin’

desde el barco de ella en altamar,

Saying "I don’t know when I’ll be comin’ back again

decía "No sé cuando regresaré de nuevo,

It depends on how I’m a-feelin’"

dependerá de cómo me sienta".

"Well, if you, my love, must think that-a-way

"Bueno, si tú, amor mío, piensas de esa manera,

I’m sure your mind is roamin’

estoy seguro de que tu mente está divagando,

I’m sure your toughts is not with me

estoy seguro de que tus pensamientos no están conmigo,

But with the country to where you’re goin’

sino con el país al que te diriges.

So take heed, take heed of the western wind

Así que ten cuidado, ten cuidado con el viento occidental,

Take heed of the stormy weather

ten cuidado con el tiempo tormentoso.

And yes, there’s something you can send back to me

Y sí, hay algo que puedes mandarme de vuelta:

Spanish boots of Spanish leather"

las botas de cuero español".

Versión de Estudio

TE JUZGARAN SOLO POR TUS ERRORES (YO NO) por Extremoduro.

Incluida como corte 9 del álbum Rock Trangresivo de la banda extremeña Extremoduro. Publicada en 1994 tras la revisión de las mezclas del álbum de debut Tú En Tu Casa, Nosotros En la Hoguera de 1989 con la producción ya de Iñaki “Uoho” Antón. Los máster originales se remezclaron, se añadieron nuevas tomas de guitarra y teclado a cargo del propio Uoho, y se grabaron 3 temas nuevos, contando para ello con la colaboración de varios amigos de la banda. La intención de la banda fue que esta nueva publicación (que retomó el título de su maqueta, Rock Transgresivo) sustituyera a la deficiente Tú en tu casa, nosotros en la hoguera.

Marcos Ana

La letra del tema es una versión del poema Canto Absoluto A La Libertad del poeta Marcos Ana, seudónimo formado con los nombres de sus padres. Nacido en la pedanía de San Vicente (Salamanca) en 1920 hijo de jornaleros profundamente católicos, de formación académica escasa ya que a los doce o trece años dejó los estudios y se puso a trabajar como dependiente de una tienda para poder aportar así ingresos a la familia. Con apenas dieciséis años se afilió a las Juventudes Socialistas, que poco antes de la Guerra Civil se convertirían en las Juventudes Socialistas Unificadas(JSU), bajo la órbita comunista. En paralelo fue abandonando la religión. Marchó al frente al estallar la Guerra Civil Española, en 1936, dentro del batallón de milicias «Libertad» de las JSU, combatiendo en la zona de Peguerinos, en la sierra de Madrid. Al producirse la militarización de las milicias y la creación del Ejercito Republicano, fue obligado a abandonar el campo de batalla por ser menor de edad. Volvió a Alcalá de Henares donde fue secretario general de las JSU en la comarca de Alcalá. Durante la contienda, se afilió al Partido Comunista de España. En enero de 1937, su padre murió en un bombardeo de la Legión Cóndor sobre Alcalá. No pudo incorporarse al ejército regular hasta que cumplió 18 años ya en 1938. Trabajó como comisario político en la 44 Brigada Mixta (estacionada en El Pardo) y más tarde como instructor político de la juventud en la 8ª División del Ejercito del Centro, también en El Pardo, responsabilidad que ocupó hasta el fin de la guerra. Antes del cerco total a la capital, consiguió escapar en dirección a Levante, al igual que muchos cuadros y dirigentes del ejército republicano, las organizaciones del Frente Popular, o del aparato estatal de la República. Como muchos otros miles, llegó al puerto de Alicante en espera de que algún buque los rescatase. No pudiendo alcanzar barco alguno debido al bloqueo naval franquista, se rindió a la unidades italianas (la División Littorio) que cercaban el puerto el 31 de marzo y fue apresado y confinado, primero en el campo de prisioneros de los Almendros, y posteriormente en el campo de concentración de Albatera. Pocos días después escapó y realizó el trayecto de vuelta a Madrid, donde fue nuevamente detenido a la semana de llegar, tras ser delatado por un confidente de la policía.

Su primera prisión fue la cárcel de Porlier. El régimen franquista le atribuyó el asesinato de tres personas, hechos por los que fue condenado a muerte en 1941. En sus memorias, Marcos Ana señaló:

En mi caso personal quedé impresionado y perplejo por las acusaciones del fiscal. Me hacían responsable de hechos sucedidos en Alcalá de Henares por los que ya habían sido juzgados muchos compañeros y algunos de ellos fusilados. Era la práctica habitual en aquella época confusa, especialmente en los pueblos: imputar a los dirigentes más conocidos la responsabilidad de todo lo ocurrido en el lugar.

Dos años después, su condena fue anulada por defecto de forma, si bien fue juzgado otra vez y condenado a muerte de nuevo. A este respecto, a principios de 2010, los periódicos del Grupo Intereconomía lanzaron una campaña en contra de Marcos Ana, presentando las acusaciones de los tribunales franquistas como hechos probados y verídicos. 

En Porlier participó en la creación de un periódico clandestino, Juventud, en 1943, hecho por el que fue trasladado a la Dirección General de Seguridad, donde fue torturado. Fue condenado de nuevo a 30 años de reclusión por un delito contra la Seguridad del Estado y trasladado al penal de Ocaña en 1944. Tras pasar por la cárcel de Alcalá de Henares, terminó su trayectoria carcelaria en el penal de Burgos, donde permaneció desde 1946 hasta 1961. En 1944 su pena de muerte había sido conmutada por treinta años de cárcel, siendo condenado en total a sesenta años. No fue ejecutado por haber cometido los crímenes que se le imputaban en minoría de edad.

Homenaje Marcos Ana 50 Aniversario de su liberación

Durante su tiempo en prisión sufrió palizas y reiterados periodos de incomunicación. Su afición a la lectura se inició con antiguos libros que circulaban por el penal de obras autorizadas de clásicos españoles: Quevedo, Lope de Vega, Calderón. Pudo tener acceso a El Quijote a pesar de no estar permitida su lectura y, más tarde, a las obras prohibidas de Rafael Alberti.Miguel Hernández o Federico García Lorca gracias a la introducción clandestina de libros cuando se relajaron las medidas contra los presos políticos a partir de 1950.

A mediados de esa década fue cuando comenzó a escribir sus primeros poemas bajo el seudónimo de Marcos Ana que, escondidos, consiguieron salir al exterior y conocerse por muchos opositores a la dictadura. Su poesía animaba a combatir la dictadura con la palabra y hacía un llamamiento a la liberación de los presos políticos. Sus poemas contribuyeron a hacerle conocido fuera de España y a desencadenar una campaña internacional por su liberación, en la que destacaron Rafael Alberti y Pablo Neruda, que consiguió su liberación el 17 de noviembre de 1961. Al producirse su liberación, sin embargo, y ante la repercusión internacional que había tenido la salida de Marcos Ana de la cárcel, el Ministerio de Información y Turismo, dirigido por Manuel Fraga, publicó un folleto titulado Marcos Ana, asesino, en el que reiteraban las acusaciones contra Ana que le habían supuesto su condena a muerte.  

Robe Iniesta

Marchó al exilio en Francia, donde el Partido Comunista le invitó a establecer un servicio en París destinado a la propaganda antifranquista y al apoyo de los presos políticos españoles con la ayuda de personalidades del mundo de la cultura francesa y españoles exiliados: el Centro de Información y Solidaridad con España (CISE) con Pablo Picasso de presidente de honor, dirigido por Marcos Ana. Desde ese puesto recorrió Europa y Sudamérica, pronunciando conferencias y organizando campañas de apoyo a los exiliados y opositores al franquismo.

A principio de la década de los setenta, Ana se alineó con el secretario general del PCE,Santiago Carrillo, en contra de la facción más próxima a la Unión Soviética.

Tras la muerte de Franco regresó a España en 1976. Durante la Transición continuó sus actividades dentro del Partido Comunista del que fue candidato al Congreso de los Diputados en las elecciones de 1977, por la provincia de Burgos, sin obtener escaño, y en el que ocupó distintas responsabilidades, como la de solidaridad internacional.

Su poesía ha sido calificada de «poesía de trinchera» y ha sido atribuida a «la fuerza de la convicción, la sentida sinceridad poética, la angustia, el miedo del hombre en el presidio». Su obra poética completa no se ha publicado, si bien se han recopilado en Venezuela. En 2007 publicó un libro de memorias, Decidme cómo es un árbol. Memoria de la prisión y la vida, prologado por José Saramago, y centrado en su estancia en la cárcel y en su actividad política fuera de ella hasta la Transición. Está traducido al portugués y al italiano. Fue la publicación de este libro de memorias la que le supuso su actual notoriedad a Marcos Ana

Letra:

Su herida golpead de vez en cuando;
no dejadla jamás que cicatrice:
que arroje sangre fresca a su dolor,
y eterno viva en su raíz el llanto.

Si se arranca a volar, gritadle a voces
su culpa: ¡qué recuerde!
Si en su palabra crecen flores, nuevamente,
arrojad pellas de barro oscuro al rostro;
pisad su savia roja.
Talad, talad, que no descuelle el corazón
de música oprimida.

Si hay un hombre que tiene
el corazón de viento,
llenádselo de piedras
y hundidle la rodilla sobre el pecho.

Pero hay que tajar noche
- tajos de luz- para llegar al Alba
y acuchillad los muros de las heridas altas
y ametrallar las sombras con la vida
en las manos
sin paz,
amartillada.

Tengo más vidas que un gato:
me muero siempre, y me mato
un poco cada vez que muere
cualquiera de mis hermanos:
la hierba, ratones, las tías, los gitanos,
los peces, los pájaros, los invertebrados,
las moscas, los niños, los perros, los gatos,
la gente, el ganado, los piojos que mato,
los bichos salvajes, los domesticados,
y que pena, si mueres, de los pobres gusanos.

Tú arranca:
yo oigo gritar a las flores.
Allá tú con tu conciencia,
yo soy cada día más malo;
estoy perdiendo la paciencia.

Tú arranca,
yo aprendo como aguilucho.
Vuelo a un mundo imaginario
(No puedo seguir: escucho
los pasos del funcionario)

Robe & "Uoho"

Tema básicamente acústico y bastante alejado musicalmente de lo que habitualmente se asocia con Extremoduro. Guitarras acústicas que sirven de mero acompañamiento a la callejera voz de Robe Iniesta y a unos coros inquietantes que acompañan todo el tema. Es una pena que Robe no se haya prodigado más en este contexto porque el poema tiene muchísima fuerza y la voz del extremeño, de una tremenda personalidad, gana mucho en este tipo de ambientes acústicos y oscuros. Poesía pura, un grito desesperado de La Libertad, de un hombre encerrado, preso, torturado hasta doblegar su voluntad y su conciencia. Robe masculla cada frase con su habitual modo de expresarse que parece salida del fondo de un reformatorio o de la mismísima prisión. Sinceramente, no podría encontrar a nadie mejor para recitar, leer o decir estos versos de Marcos Ana, versos desesperados de un hombre al que la lucha por la libertad suya y de sus hermanos le hizo perder los mejores años de su vida. 

El texto es crudo, frío, sucio y con alusiones evidentes a la tortura tanto física “Su herida golpead de vez en cuando; no dejad que cicatrice…” como psicológica “…si hay un hombre que tiene el corazón de viento, llenádselo de piedras y hundidle la rodilla sobre el pecho…” El peligro para el Régimen no era sólo el hecho de que hubiese personas que defendieran la libertad si no el hecho de que su semilla perdurará, se extendiera, creciera. Había que ser duro en el castigo y sobretodo tenía que ser público, ejemplar. Hay que controlar y doblegar psicológicamente al enemigo y eso, era casi más importante que eliminarlo, “…me muero siempre, y me mato un poco cada vez que muere cualquiera de mis hermanos…” 

Hay que matar lentamente con el miedo “… Tú, arranca: Yo oigo gritar a las flores…”, atenazar. Pero también se palpa la fuerza de un alma que no se condena y busca vías de escape “…Vuelo a un mundo imaginario…”.

El final del texto, es simplemente estremecedor. Todo el tema valdría la pena solo por esa última frase que te deja realmente paralizado y que consigue trasladarte al horror que debió sufrir Ana Marco durante su cautiverio “…No puedo seguir: escucho los pasos del funcionario…”

Desde aquí el homenaje de Robe y en menor medida, el mío.

Versión de Estudio

MIDNIGHT RAMBLER by The Rolling Stones

Incluida como corte 1 de la cara B del álbum Let it Bleed, décimo álbum de estudio de la banda británica editado en 1969. Su grabación tuvo lugar en los estudios de sonido London´s Olympic Sound Studios de la ciudad de Londres durante la primavera de 1969 con Jagger a la harmónica y las voces, Richards tocando todas las guitarras, Bill Wayman al bajo, Waits la batería y la aparición en los créditos de Brian Jones como percusionista. Fue publicado por la discográfica DECA Records el 5 de Diciembre de 1969.

El tema está inspirado en la historia del estrangulador de Boston Albert De Salvo e incluso algunos pasajes de la letra son parte de la propia confesión de De Salvo.

Entre el 14 de junio de 1962 y el 4 de enero de 1964, 13 mujeres solteras entre los 19 y 85 años de edad fueron asesinadas en el área de Boston. La mayoría de las mujeres fueron asaltadas sexualmente en sus apartamentos y luego estranguladas con artículos de ropa. La víctima más anciana murió de un ataque al corazón. Otras dos fueron apuñaladas hasta la muerte, una de ellas fue también golpeada. Sin ningún signo de entrada forzada en sus viviendas, se supuso que conocían a su asesino o voluntariamente permitieron la entrada a sus hogares.

Albert De Salvo

La policía no estaba convencida de que todos estos asesinatos fueran trabajo de un solo individuo, especialmente debido a la gran diferencia de edad de las víctimas; la opinión pública creía que los crímenes eran cometidos por  una única persona.

El 27 de octubre de 1964, un desconocido entró a la casa de una mujer joven en East Cambridge haciéndose pasar por un trabajador de mantenimiento enviado por el supervisor del edificio. Ató a la víctima a su cama, procedió a asaltarla sexualmente, y se fue de repente, diciendo "lo siento" mientras se iba. La descripción de la mujer llevó a la policía a identificar al asaltante como De Salvo y cuando su fotografía fue publicada, muchas mujeres lo identificaron como el hombre que las había asaltado. A principios del 27 de octubre, De Salvo se hizo pasar por un automovilista con un problema en su coche e intentó entrar en una casa en Bridgeater, Massachusetts. El dueño de la casa, Richard Sproles, comenzó a sospechar y tras una disputa acabó  disparando a De Salvo.

De Salvo no estaba como sospechoso de estar involucrado en los asesinatos. Sólo después de que fue acusado de violación dio detalles de sus actividades como el Estrangulador de Boston bajo hipnosis inducida por William Joseph Bryan y sesiones no inducidas por hipnosis con John Bottomly. Inicialmente confesó a su compañero preso George Nassar; luego informó a su abogado F. Lee Bailey, que tomó el caso de De Salvo. Aunque había algunas inconsistencias, De Salvo fue capaz de citar detalles que no habían sido públicos. Como tal, fue juzgado por delitos anteriores, sin relación de robo y delitos sexuales. Bailey intento una defensa por demencia, pero se descartó por improcedente por el juez.

Mick Jagger & Keith Richards, 

NYC, 1972

DeSalvo fue sentenciado a cadena perpetua en 1967. En febrero de ese año, escapó con dos compañeros de Bridgewater State Hospital, lo que provocó una persecución de gran escala. Se encontró una nota en su cama dirigida al superintendente. En ella, De Salvo afirma que escapó para centrar la atención en las condiciones en el hospital y su propia situación. El día después del escape, se entregó a su abogado en Lyn, Massachusetts. Seguido a su fuga, fue transferido a una prisión de máxima seguridad conocida en el momento como Walpole donde fue encontrado seis años después asesinado en la enfermería. Robert Wilson, que fue asociado con Winter Hill Gang, fue juzgado por el asesinato de De Salvo, pero el juicio terminó en un jurado indeciso. Nadie fue encontrado culpable por su asesinato.

Jagger afirmó, en una entrevista de 1995, que Midnight Rumbler, era uno de los pocos  temas que realmente habían compuesto él y Richards juntos. Durante unas vacaciones en la preciosa ciudad italiana de Positano, crearon esta “opera blues en cuatro partes” según Richards. Es curioso como de unas vacaciones en una ciudad soleada y de ambiente festivo y jovial pudiese salir un tema con ese ambiente tan oscuro y agobiante, como sacado de un sótano húmedo y sórdido.

El tema tiene un tempo clásico de blues que cabalga sobre la guitarra rítmica de Richards. La harmónica de Jagger dialoga con la slide guitar de Richards y nos introducen en la noche oscura, siniestra, llena de sombras extrañas. Hace calor, un calor que asfixia. Una voz nos pregunta si hemos visto a alguien merodeando mientras el ambiente se va cargando cada vez más y más. La carga sexual de la música es sencillamente brutal. Parece que de un momento a otro se va a oír el jadeo de la respiración entrecortada de alguien.  De hecho el tema se abre con una especie de gruñido animal prácticamente imperceptible.

Mick Jagger

Pasamos a la segunda parte de la canción, una cambio de tempo instrumental que acelera el ritmo, como si se tratase de una persecución, una persecución donde se oyen voces repetidas como en la cabeza del perseguidor (…) Oh don´t do that, oh don´t do that (…), como si el perseguidor tuviera una lucha interna aunque sabe que no va a servir de nada, la excitación sexual es más fuerte y poderosa. La caza está llegando a su fin y la víctima parece no tener escapatoria posible, o quizá es la voz de la misma víctima suplicando. El ritmo se va frenando, lentamente, como ahogándose en un lamento infinito, la tercera parte de la opera blues de la que habla Richards. Está exhausto.  Todo se ha acabado. Los remordimientos se hacen presentes pero lo que es seguro es que habrá una próxima vez porque una vez que empiezas y sales indemne que te impide volver a hacerlo…

El tema acaba en un tono animal, triunfal, casi de semidios. La vida y el cuerpo de una persona a sus pies. El criminal se siente poderoso, seguro, enorme, saciado de su sed de sangre y sexo.  

Mick Jagger & Keith Richards

Jagger y Richards consiguieron captar la tensión sexual en el tema de una manera brutal. Es cierto, no es bonito, no es tierno, no es cariñoso, es simplemente animal, salvaje, sexo en estado puro. El tema está visto desde el punto de vista del criminal, donde no hay compasión, no hay sentimientos, no hay nada más que la sed de sexo y sangre. Por eso no creo que haya ningún tema en la historia del rock con una carga sexual tan fuerte y pura, y entendamos pura como sin artificios, como Midnight Rambler. Y por su puesto no hay voz que sea capaz de transmitir ese morbo y fuerza animal como la de Jagger.

El debut de Midnight Rambler en escena fue el 5 de Julio de 1969 y los Stones la tocaron regularmente durante sus giras hasta 1976 con Jagger corriendo como un animal enjaulado por el escenario golpeando a su paso los equipos con un cinturón. Especial mención a la grabación que aparece en el recopilatorio Hot Rocks 1964-1971 recogida de un directo de 1970, muy aclamada por sus fans. Personalmente la versión en estudio me parece superior pero para gustos colores.

Midnight Rambler, Studio Version

Midnight Rambler Live 1970

THUNDER ROAD by Bruce Springsteen

Incluida como corte 1 del álbum Born to Run, tercer álbum de estudio del cantautor estadounidense de rock Bruce Springsteen editado en 1975. Su grabación tuvo lugar en los estudios de sonido Record Plant de la ciudad de Nueva York entre 1974 y 1975 bajo la producción de Mike Appel, Jon Landau y el propio Springsteen. Fue publicado por la discográfica Columbia Records el 25 de agosto de 1975.

Cuando Springsteen escribió Born to Run, el disco que le consagró, vivía en una casa en West Long Branch, New Jersey, no muy lejos de Asbury Park. Compuso prácticamente todos los temas del álbum al piano, cosa que según propias palabras suyas, nunca más ha hecho y lo hizo utilizando para todas ellas un pasaje de piano a modo de introducción. En la casa tenía un tocadiscos al lado de su cama y todas las noches escuchaba discos de los 60 y, especialmente a Roy Orbison o a los Beach Boys. Una canción de Orbison suena en la radio en Thunder Road, para los solitarios. Según palabras propias buscaba hacer un disco que sonara como los de Phil Spector, con la voz de Roy Orbison y los textos de Dylan.

Film Thunder Road 1958

Springsteen cogió el nombre de Thunder Road de una película de serie B de 1958 protagonizada por Robert Mitchum, film que, por cierto, nunca vio. “Sólo vi el poster en el vestíbulo de un teatro, cogí el título y escribí la canción”. Una canción que incialmente se llamaba Wings for Wheels y en la que había un solo de saxo y guitarra en medio. La primera gran aportación de Jon Landau como productor fue proponerle eliminarlo y hacer un solo al final de Bruce y Clarence que aportaría un tono triunfal a la historia.

Thunder Road trata sobre la búsqueda del propio destino. El protagonista propone a su chica, Mary, huir de una vida vacía y sin esperanzas, de un día a día sin futuro. El mensaje es claro: “puedes morir ahí fuera, pero también puedes morir escondido dentro de ti mismo”. Springsteen siempre ha entendido el rock como algo liberador: “cada uno de nosotros tiene la posibilidad de elegir aunque siempre hay que pagar un precio a cambio, como es el de tener que elegir más de una vez.”

“Tengo esta guitarra y aprendí a hacerla hablar y mi coche está ahí detrás, si estás dispuesta a recorrer ese largo camino desde tu portal hasta mi asiento delantero. La puerta esta abierta, pero el viaje no es gratis(…). Esta noche seremos libres, se romperán todas las promesas (…)Así que sube, Mary. Esta ciudad está llena de perdedores y yo me largo de aquí para triunfar”.

El protagonista va hasta casa de Mary y la desafía a que apueste por la vida, que apueste por él: “ten un poco de fe, hay magia en la noche”. Sabe que ella puede elegir quedarse en casa, a salvo, esperando que alguien más fuerte venga a rescatarla. Springsteen sólo tenía 24 años cuando compuso Thunder Road y por eso llama la atención que contenga una de las frases más sentidas y profundas de Bruce: “ ya no somos tan jóvenes”. Cuando a Springsteen le preguntan por ello siempre responde: “A ver pero es que en 1974 ya nadie era tan joven, ya no…. Se tenía esa tremenda sensación de que el país había envejecido deprisa y de forma especialmente violenta y ese sentimiento formaba parte de tus huesos”.

Springsteen decidió abrir el álbum con este tema porque siempre lo ha considerado como una invitación, una invitación a la vida, a recorrer ese camino. Camino que a todos nos toca decidir si quedarnos estancados ó vivir un futuro arriesgado, pero esperanzador y mejor según nuestros sueños…

¿Pero a dónde va a parar Thunder Road?

A la tierra prometida, donde quiera que esté. A la tierra donde están los sueños que permiten creer que puede existir un lugar mejor. Thunder Road significa un viaje en busca de la libertad aunque también un himno del pasado, es una canción repleta de esperanza y honestidad.

“No eres una belleza pero, oye, no estás nada mal. Oh, y para mí eso basta (…) Bueno, no soy un héroe, eso está claro. La única redención que puedo ofrecerte, chica está debajo de este sucio capó con una posibilidad de que salga bien…”

Sugiere que si tienes fuerzas para encontrarte a ti mismo ya habrás logrado un gran triunfo.

La poesía y el lirismo, las metáforas están presentes de una manera directa, que dejan entrever la situación a la que nos lleva el trazo de esta hermosa historia, chico, chica, jóvenes, sueños, todo un mundo por delante.

Portada Born To Run

Musicalmente el tema abre con una introducción a piano y armónica que evoca a una noche de verano en alguna casa de tablas quejosas de madera típica estadounidense. La armónica cesa y deja paso a los primeros versos del tema. La puerta se cierra, el vestido de Mary ondea, como una visión, Roy Orbison en la radio, un coche en la puerta con el motor en marcha, no soy un príncipe azul y tu no eres ninguna princesa pero ¡hey! tenemos una oportunidad y quiero compartirla contigo. Tras esos primeros versos iniciales entra la banda al completo, guitarras, bajo, batería… Puedes esperar a alguien mejor toda tu vida y quizá aparezca, o puedes coger mi mano y salir hacia la carretera del trueno, hacia la tierra prometida pero sin perder un ápice de realidad, de honestidad, “…cambiar esas alas por unas ruedas(…) sé que te sientes sola por las palabras que no he dicho. Pero esta noche seremos libres, se romperán todas las promesas ”.

El piano predomina durante el tema y es quien lleva la voz cantante junto con la voz de un joven Springsteen que canta como si le fuera la vida en ella. También es su última oportunidad tras dos discos aclamados por la crítica pero fracasos en ventas. Es ahora o nunca. Y ha tomado una decisión, “Esta es una ciudad llena de perdedores, y yo me largo de aquí para ganar”, chica, no prometo nada, solo que voy a luchar por lo que quiero.

El tema acaba con una coda triunfal, grandiosa, vitalista, llena de energía donde el saxo de Clarence Cleamons cobra vida y se une a la guitarra de Springsteen y el piano de Roy Bittan en una de las melodías mas conocidas del cantante de New Jersey.

Tema básico en el repertorio de Bruce Springsteen durante casi 40 años y que ha sido interpretado en numerosos formatos a lo largo de las diferentes giras del cantante. Especialmente emocionante la versión que solía tocar en solitario al piano a principios de 1975 cuando la banda aun no conocía en demasía el tema y este no había sido ni siquiera grabado en un estudio y que puede escucharse en el 3LP oficial de Live/1975-85 publicado en 1986 con una recopilación de temas grabados en directo abarcando desde 1975 hasta 1985. Una vez más vuelve a utilizar el tema como apertura de la obra, volviéndonos a invitar a recorrer ese maravilloso viaje juntos.

Thunder Road Studio Version

Thunder Road Live At Hammersmith Odeon 1975